La variété des inspirations que l’on décelait sous la musique était surprenante, parfois troublante, et n’a surtout pas manqué de soulever certains questionnements quant à la notion d’unité esthétique au sein d’une oeuvre.

Les pièces du compositeur canadien Rodney Sharman se sont démarquées par leur grande cohérence. Alors donnée en création montréalaise, Prelude to Elsewhereless est une pièce contemplative, statique, qui respire, qui s’éteint comme elle avait commencé, dans le calme et, surtout, sans prétention. Sans plus d’artifices, les trois Cabaret Songs du même compositeur, interprétées en seconde partie par le baryton Vincent Ranallo, sont dans un style résolument anglais et rappellent par instant la Sérénade pour ténor, cor et cordes (op. 31) de Benjamin Britten. Si la voix  gagnerait à sortir davantage de la masse orchestrale, ces mélodies n’en sont pas moins d’écoute agréable. Certains pourraient questionner la pertinence d’une telle esthétique pour des airs composés entre 2001 et 2008, mais j’ai personnellement été surpris par l’agréable fraîcheur que ces pièces apportaient au concert.

Les Tanzer Lieder d’Ana Sokolović, aussi interprétés par M. Ranallo, ne m’ont malheureusement pas semblé parvenir à éclore entièrement dans cette version pour baryton; il est probable que celle pour soprano eut accordé d’avantage de place à la voix en d’autres circonstances. Jeudi, cette dernière n’échappait malheureusement pas au tissu musical qui lui, évoquait tantôt le Erwartung d’Arnold Schönberg, tantôt l’esthétique comique de certaines mélodies populaires anglaises. Vincent Ranallo a interprété les textes de Francisco Tanzer avec une humilité que l’on souhaiterait observer chez davantage de solistes. Certains mots de ces vers m’ont toutefois paru trop bruts, trop communs; par conséquent, ils m’ont semblé contraster trop vigoureusement avec l’atmosphère poétique des mélodies de Mme Sokolović.

Voluptuous Panic de Paul Frehner, en deux mouvements, a quelque chose d’entêtant, d’obsédant, même, quelque chose qui – il faut le dire – s’étiole trop rapidement. La clarté formelle fait du bien, mais le second mouvement ne rend pas grâce au précédent qui, bien construit, a la grande qualité de ne pas facilement révéler les tenants et les aboutissants de la pensée du compositeur. Dommage que la fête paysanne – bien écrite, il me semble – soit si prévisiblement interrompue par le sombre orage se profilant à l’horizon des sons menaçants. On dirait que c’est chose obligée que de terminer une scène pastorale dans le sang ou sous la pluie; il y a là trop d’évocations d’une élémentaire facilité.

Enfin, le Kafkapriccio du Danois Poul Ruders est une œuvre qui, disons-le, pêche « par excès de complaisance », faisant succéder sans scrupules des instants de folklore à d’autres n’ayant rien à envier au lyrisme larmoyant du cinéma à l’eau de rose, appelant ici à la rescousse l’extrême aigu du violon et là les arrangements d’orchestre destinés aux chansons de Frank Sinatra. Le dernier mouvement laisse pourtant entrevoir le talent du compositeur, dans une atmosphère se rapprochant de The Unanswered Question de Charles Ives. La Géométrie sentimentale de Mme Sokolović, dont l’éclectisme des matériaux peut potentiellement surprendre et dérouter l’oreille, semble, en comparaison, indubitablement plus unifiée sur le plan esthétique.

Définitivement, la variété des œuvres au programme du concert de l’ensemble Aventa avait de quoi satisfaire un large éventail d’auditeurs et montrer la pluralité des directions empruntées par la musique de notre époque. Suite à ce concert, je ne puis m’empêcher de me demander quelle place devrait être accordée à la notion d’unité formelle dans le processus créateur. Je sais qu’il fut un temps où ces questions se discutaient sur la place publique; je vous invite à lancer la discussion.

Paul Bazin

Merci à tous les interprètes, musicologues, compositeurs, enfants, professeurs et mélomanes passionnés qui ont participé au blogue – c’est vous qui avez fait de cet espace un hommage vibrant et particulièrement personnel à notre grand compositeur.

Rendez-vous en février prochain, sur le nouveau blogue qui sera créé à l’occasion du Festival Montréal / Nouvelles Musiques 2011… et bonnes vacances!

Et vous, qu’en pensez-vous?

Rendez-vous à la Grande bibliothèque, demain, dès 19h.

Quelques extraits sonores en attendant…

Au téléphone, il me raconte que Fleuves devait être créé par l’Orchestre symphonique de Montréal le 11 mai 1976, mais que le chef, Rafael Frühbeck de Burgos, décide d’annuler la représentation cinq jours avant ladite date, sous prétexte de n’avoir « pas eu assez de temps pour pratiquer la pièce ». Dans le contexte tumultueux de l’époque – année des Jeux olympiques à Montréal, première élection du Parti québécois au pouvoir, mouvement de révolution tranquille – cette décision suscite l’indignation du milieu francophone qui la reçoit comme un « soufflet » aux artistes québécois. Les lettres ouvertes dans les journaux fusent et même le premier ministre Robert Bourrassa en sera informé suite à une intervention de Maryvonne Kendergi!

Ce sera finalement Serge Garant qui créera cette première œuvre de Tremblay jouée par l’Orchestre symphonique de Montréal un an plus tard. Mais encore une fois, ça ne se produit pas sans remous… Comme l’œuvre nouvelle est placée à la fin du concert, la moitié du public disparaît à l’entracte, visiblement peu intéressé, et la dernière note de Fleuves est couronnée d’un désormais célèbre « GARBAGE! » lancé dans l’assistance (et encore bien audible dans l’enregistrement de Radio-Canada!) suivi d’une vague de protestation et d’applaudissements qui durent plus de cinq minutes, sans compter les discussions vives après le concert. On qualifiera même l’événement d’un « Sacre du Printemps québécois »!

Pour plus de détails et d’autres conférences bien prometteuses, assistez gratuitement à la journée d’étude Gilles Tremblay de la SQRM, demain, de 13h à 18h, à la salle Serge-Garant (B-484) de la Faculté de musique de l’Université de Montréal.

Mentionnons aussi que Fleuves sera interprété par l’Orchestre du Conservatoire jeudi à Montréal, vendredi à Val d’Or, et dimanche à Québec.

Hughes Gerhards – Dans quelles circonstances avez-vous connu Xenakis pour la première fois? De quelle(s) œuvre(s) s’agissait-il? Qu’avez-vous ressenti et pensé à la lecture et à l’analyse de la première partition de lui que vous avez eue en main?

Gilles Tremblay – C’est lors d’une audition sur bande, chez Robert Francès, que j’ai eu l’occasion, peu après sa création, d’entendre Metastasis. Dès le début, j’ai eu l’impression qu’il venait de se passer quelque chose d’important en musique. Nous nous étions cependant déjà rencontrés auparavant à quelques reprises. J’étais alors tout jeune étudiant, élève de Messiaen. Mais c’est surtout au Groupe de recherches musicales, dirigé par Pierre Schaeffer que notre véritable rencontre se fit, où nos conversations furent les plus passionnantes. Xenakis a le don d’être un excellent vulgarisateur, et de pouvoir communiquer l’essentiel de ses idées de façon fort simple. Un jour, il me fit entendre le grésillement d’un charbon de bois en combustion. Ce fut l’occasion d’une longue conversation à la fois poétique et scientifique autour d’un phénomène concret de musique statistique à densité variable, l’initiation à tout un esprit, à des techniques également qui sont encore loin d’être assimilées aujourd’hui, car malheureusement on saisit toujours davantage l’apparence et la surface des choses, que leur essence.

H. G. – Qu’estimez-vous que la fréquentation de l’œuvre de Xenakis, dans sa multiplicité et sa diversité, ait pu vous apporter?

G.T. – Toute la musique qu’on entend transforme. Dans ce qu’on entend, il y a le sonore, mais il y a aussi ce qui est derrière le sonore, la démarche. C’est elle qui me stimule et m’interroge le plus ici. Car par tempérament je suis attiré par un matériau beaucoup plus harmonique (dans un sens large englobant Pythagore, Rameau, et Varèse…). S’il y a apport, échange, chocs, ils sont de ce fait à l’abri de la surface des choses. À un niveau plus sonore, j’aime la poésie qui se dégage des mouvements de masse, en une sorte de bouillonnement collectif, ainsi que l’aspect incantatoire de certaines œuvres.

H. G. – Qu’en est-il pour vous, aujourd’hui, de ses diverses compositions électro-acoustiques?

G.T. – En général, j’ai beaucoup d’admiration pour les œuvres où Xenakis utilise cette technique. Une œuvre comme Bohor, pour ne citer que celle-ci, marque en profondeur. Plus récemment Xenakis a travaillé à partir de dessins aux formes extraordinaires transformées en sons par l’ordinateur. Le jeu est fascinant. On pourrait théoriquement dessiner n’importe quelle forme, elle serait « traduite » automatiquement sur le plan sonore. Cependant le passage de l’espace au temps (musical) me semble extrêmement boiteux, source de confusion. Pour la bonne raison que dans le temps, l’espace ne se perçoit pas de cette manière.

Quand je vois une montagne, il ne me vient pas à l’esprit de la regarder comme à travers une pente de gauche à droite. Je la perçois globalement et de façon instantanée. La durée m’en dévoilera pour ainsi dire son existence rayonnante, comme à travers des influx successifs. De la même façon, une fleur, lue de gauche à droite donnera peut-être une curiosité sonore, mais elle sera complètement étrangère à la perception réelle que l’œil révélera, en un rayonnement par éclosion à partir du centre, rythmé par les intensités de ses couleurs et par sa forme. Là encore la perception est globale et instantanée, et c’est ainsi qu’elle entre dans la durée, et non pas à travers une lecture unidirectionnelle d’abscisses et d’ordonnées.

J’ai déjà fait part à Xenakis de cette critique. Il m’a répondu, très gentiment d’ailleurs, que je ne comprenais pas. Je pense quant à moi que la question demeure et qu’elle est suffisamment importante pour qu’on essaie de l’élucider. Le jeu proposé me paraît trop simple et partiel par rapport à la perception réelle qui me semble infiniment plus complexe et globale.

(Extraits de propos recueillis par Hugues Gerhards, décembre 1980)

En coll. Regards sur Iannis Xenakis, Paris, Stock Musique, 1981, p. 113-119.

Merci à Marie-Thérèse Lefebvre qui a rassemblé ces entrevues.

Peut-être un espace de réflexion et de discussion, un portrait public plus philosophique ou historique du compositeur et de son oeuvre?

C’est précisément le but de la journée d’études autour de Gilles Tremblay organisée par la Société québécoise de recherche en musique. Musicologues et compositeurs aborderont divers sujets tels que le parcours de l’artiste, la place de la poésie et la spiritualité dans la musique de Tremblay. Le baryton Vincent Ranallo parlera de l’oeuvre vocale de Tremblay alors que Marie-Thérèse Lefebvre clôturera la journée avec une conférence sur la pensée du compositeur. L’événement ouvert à tous, gratuitement, sera présenté de manière conviviale, sous forme d’entretiens et de dialogues.

Rendez-vous mercredi 26 mai, de 13h à 18h, à la salle Serge-Garant (B-484) de la Faculté de musique de l’Université de Montréal.

Quelques citations:

« Le rôle de l’artiste, c’est de lutter contre la banalisation à outrance »

« L’art est une des manifestations les plus significatives à notre époque »

Transmission: Trancouleurs sera présenté à la Salle Tanna Schulich le 28 mai prochain. On y entendra entre autres le célèbre …Sifflement des vents porteurs de l’amour… de Gilles Tremblay.

Juste avant le festival, Marie-Chantal Leclair, du quatuor Quasar, nous parlait de ce concert dans une entrevue avec Noémie Pascal :

N’oubliez-pas que Levées sera joué mercredi à la Chapelle-historique-du-Bon-Pasteur!